Gentle Tremor

El programa Gentle Tremor. Nuevos horizontes del video arte en Asia reúne obra reciente de ocho artistas asiáticos, procedentes de Hong Kong, Japón, China, Mongolia y Kazajistán, cuyo interés se centra en el descubrimiento de nuevos horizontes para la imagen en movimiento. En el intento de conseguir su objetivo, exploran los límites del video arte y su potencialidad de cara al futuro desarrollo de la imagen en movimiento, y la construcción de nuevas narrativas y de nuevas formas de narrar. Pese a tener en cuenta la individualidad y singularidad de todas y cada una de las producciones que se proyectarán, no debe perderse de vista la diferencia cultural que las caracteriza y respectivamente las conexiones que es posible establecer entre los diferentes paisajes simbólicos que abarcan. En un mundo dividido y cada vez más polarizado, la directora de CIFRA cree que el arte puede desempeñar un papel crucial tanto en culturas afines como opuestas entre sí, introduciendo cambios en las dinámicas de poder que mejoren la conciencia del espectador. El planeta que conocemos actualmente es el de un mundo en crisis que sólo puede cambiar gracias a la invención tecnológica y científica y a la innovación permanente en las artes viduales.   

La primera de las obras que se proyectarán es A Palm, a Fountain, an Umbrella (2024), de Sharon Cheuk Wun Lee, el cual hace un poema en el formato video que explora las alteraciones que se producen en la ciudad donde vive, a raíz de los cambios sociopolíticos que tienen lugar, el bilingüismo y su influencia en la identidad cultural de los ciudadanos afectados. Ebony Dreams (2019), de Eri Saito, es a su vez un experimento que explora cómo nuestros cuerpos se mueven inconscientemente, en casos como los derivados del sonambulismo, percibidos por los demás como movimientos inexplicables. El intrigante y surreal vídeo Ringo (2020) de Amie Barouh evoca recuerdos de la infancia y a nuestro niño interior dentro del contexto actual. El sarcástico vídeo Lerne Deutsch in Meiner Küche (2020), de Popo Fan, sumerge a los espectadores en una clase de cocina y de lengua alemana que da un giro absurdo. Axl presenta por primera vez su último trabajo Joseph’s Midnight Party (2024). En The Story of Nanka Gulu and Iron Hawk (2021), de Chen Zhou, el público se encuentra con la sabiduría ancestral de un dron inteligente que ha escapado. Mother Water Gulbib Balkhash (2024), de Almagul Menlibayeva, distorsiona nuestra comprensión de la geografía, para descubrirnos nuevos mundos. El programa concluye con Curse of Staged Atavism (2024) de Shuree Sarantuya, una obra que fue galardonada con el premio CIFRA Award en el Art Night Venezia este verano.  

El programa ha sido seleccionado por Olga Shishko y Anastasia Stravinsky. 

PROGRAMACIÓN 

• Sharon Cheuk: A palm, a fountain, an umbrella (2024), 10’24’’ 

• Eri Saito: Ebony Dream (2019), 3’23’’ 

• Amie Barouh: Ringo (2020), 3’27’’ 

• Popo Fan: Lerne Deutsch in meiner Küche (2020), 2’22’’ 

• Axl: Joseph’s Midnight Party (2024), 22’’ 

• Chen Zhou: The Story of Nanka Gulu and Iron Hawk (2021), 13’38’’ 

• Almagul Menlibayeva: Mother Water Gulbib Balkhash (2024),16’ 

• Shuree Sarantuya: Curse of Staged Atavism (2024), 11’41’’ 

Sharon Cheuk: A palm, a fountain, an umbrella (2024), 10’24’’  

Sharon Cheuk Wun LEE (Hong Kong). Es una artista multidisciplinar que vive y trabaja en Nueva York. Trabaja con materiales perecederos que hacen referencia a la pérdida y a la desaparición de la memoria y la historia. De igual modo, se ocupa de la dislocación cultural, las pertenencias itinerantes y la mujer en las historias coloniales. Su investigación artística gira en torno a Hong Kong, como una ciudad de paso y una cultura periférica e inclasificable. Lee se graduó y obtuvo un máster en Bellas Artes en la Universidad China de Hong Kong y está haciendo otro máster en Bellas Artes en la Universidad de Columbia en Nueva York. Sus exposiciones más recientes son «If Tomorrow Never Comes» con Kyotographie en el Centro de Arte de Kioto (Japón, 2023) y «emo gym» en Tai Kwun Contemporary (Hong Kong, 2022). Su trabajo se ha publicado en ArtAsiaPacific, y Harvard Advocate, Artomity entre otros. Ha formado parte de proyectos artísticos del Art Promotion Office (Hong Kong, 2021), Peer to Peer (RR. UU, Hong Kong, 2020) y del Hong Kong International Photo Festival de (Hong Kong, 2020). Fue seleccionada para el KG+SELECT y el Sovereign Asian Art Prize (2023), y ganó el premio de WMA Master en 2019. También ha conseguido varias becas y realizado residencias artísticas en Nueva York, Taipéi y Viena. 

Eri Saito: Ebony Dream (2019), 3’23’’  

Eri Saito (Japón) es una artista que se centra en el vídeo. Sus obras tratan de las dinámicas invisibles e inciertas como la memoria y la experiencia cognitiva. Sus exposiciones más recientes son Visitor Cue (Yamanaka Suplex annex building MINE, Osaka, 2023), how to make friends (Art Center Ongoing, Tokio, 2023), Until It Gets Dark (Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokio, 2021) y 1GB (Spiral Hall, Tokio, 2020). Su trabajo ha sido expuesto en festivales como el European Media Art Festival (Osnabrück, Alemania, 2023), The Compulsive Landscape: Eri Saito & Masanobu Nakamura (Collaborative Cataloging Japan, Filadelfia, EE. UU, 2022), y el Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions 2022 (Museo de Arte Fotográfico de Tokio, 2022). Asimismo obtuvo el segundo premio en el primer e-flux Film Award que se concedió en 2024. 

Amie Barouh: Ringo (2020), 3’27’’  

Amie Barouh (Japón/Francia) es una artista que realiza películas, tanto documentales como ensayos visuales, inspirándose en sus experiencias personales. Tras vivir en Tokio hasta los 17 años, Amie Barouh se trasladó a París, donde conoció a la comunidad gitana y decidió sumergirse en ella. Esta experiencia influyó en su relación con el mundo en el que vive y empezó a utilizar el formato vídeo para abarcar diferentes mundos. La proximidad que mantiene con las personas con las que trabaja es como si escribiera un diario cinematográfico, queriendo rodar un documental experimental que da voz a los marginados de la sociedad. Impulsada más por las afinidades que por el deseo de realizar una película, la cámara, el tercer ojo y el brazo de la artista atraviesan las relaciones en tiempo real que ella, como documentalista, pero ante todo como persona, mantiene con los sujetos con los que trabaja.  

Popo Fan: Lerne Deutsch in meiner Küche (2020), 2’22’’  

Popo Fan (China/Alemania) es un cineasta, escritor, artista y comisario chino. Sus documentales Queer y Family Trilogy han tenido un impacto significativo en la sociedad china. En 2017, abandonó Pekín y se fue a vivir a Berlín, donde desde entonces se ha dedicado a escribir y dirigir guiones de cortometrajes que abordan temas interseccionales como las cuestiones LGBTQ+, la migración y el sexo. Es director invitado en la plataforma de streaming XConfessions de Erika Lust. Ha actuado ocasionalmente en obras de vídeo de artistas como Shu Lea Cheang, Simon Dybbroe Møller, Zayne Armstrong y Ellinor Aurora Aasgaard. Además, Popo ha trabajado con el Beijing Queer Film Festival durante más de una década y es comisario invitado en SİNEMA TRANSTOPIA de Berlín. Actualmente está centrado en el desarrollo de su primer largometraje de ficción, Grammatik. 

Axl: Joseph’s Midnight Party (2024), 22’’  

Axl Le (Yi Le) (China/Noruega) es artista visual y cineasta. Trabaja principalmente con los medios digitales, y sus prácticas artísticas incluyen vídeo/película, animación 3D, juegos, tecnología de inteligencia artificial y realidad virtual (RV). Desde 2016, trata de realizar obras que exploran y reflexionan sobre las relaciones entre la tecnología y la vida cultural, así como las conexiones entre tecnología, ciencia y naturaleza en la era digital, teniendo en cuenta el futuro desarrollo de la humanidad. Su trabajo ha sido publicado en plataformas como NOWNESS Asia, Videotage HK, Videoclub y Arte Tracks. Ha expuesto también n ferias como Art Basel HK, Microclima Venezia, Siggraph, Esea contemporary, CICA Museum, Tank Shanghai y el Himalayan Center Shanghai. Su obra ha recibido un gran reconocimiento y ha sido premiada en varios festivales internacionales de cine de animación. 

Chen Zhou: The Story of Nanka Gulu and Iron Hawk (2021), 13’38’’  

Chen Zhou (China) es un artista cuya obra se ha presentado en diversos festivales y exposiciones de todo el mundo. Trabaja principalmente con pintura, vídeo y performance, centrándose en la experiencia humana desde una perspectiva existencial. En sus primeros vídeos, ha explorado lo absurdo de la vida contemporánea, los aspectos performativos y engañosos de la identidad, y la soledad y alienación dentro de los mundos virtuales. Desde la pandemia, se ha ido centrando cada vez más en la pintura y la performance. Sus estudios de filosofía budista han influido en su trabajo, dotándolo interiormente de una fuerza espiritual, un aura y un estilo surrealista oriental. En esta fase, Chen ha empezado a explorar las relaciones entre el cuerpo, el espacio, la percepción, el espíritu y la energía. También incorpora imágenes del agua, el fuego, la tierra, el humo y los huesos, utilizando métodos como la disposición espacial, los rituales y la meditación, para crear un espacio liminal sensorial. Actuando así pretende explorar las dimensiones más sutiles de la existencia humana. 

Almagul Menlibayeva: Mother Water Gulbib Balkhash (2024),16’  

Almagul Menlibayeva (Kazajistán/Alemania) es una artista contemporánea que trabaja principalmente con vídeo multicanal, fotografía e instalaciones en las que emplea técnica mixta. Vive y trabaja en Alemania y Kazajistán. Su trabajo se ha expuesto internacionalmente en la Bienal de Sydney (Australia), la Bienal de Venecia, la Bienal de Moscú (Rusia) y la Bienal Internacional de Gangwon (Corea del Sur). La obra de Menlibayeva aborda cuestiones relacionadas con la exploración crítica de la modernidad soviética; las transformaciones sociales, económicas y políticas en el Asia Central postsoviética; y las reinterpretaciones decoloniales de temas de género, la degradación medioambiental y las cosmologías y mitologías nómadas e indígenas euroasiáticas. 

Shuree Sarantuya: Curse of Staged Atavism (2024), 11’41’’  

Shuree Sarantuya (Mongolia/Alemania) es una artista mediática y activista que vive en Colonia desde 2019. Nació y creció en Ulán Bator (Mongolia). Se graduó en la Universidad Estatal de Arte y Cultura de Mongolia en 2016 con una especialización en dirección de cine y radiodifusión. Hasta febrero de 2024 estudió en la Academia de Artes Audiovisuales de Colonia, centrándose en contenidos de vídeo basados en motores de juego. La mayor parte de su trabajo se centra en las minorías étnicas, las últimas tribus nómadas y los pueblos indígenas del norte, este y de Asia Central. Su práctica se basa en la investigación artística y el conocimiento nómada, para crear un proceso experimental en el que utiliza diversos medios digitales, con la intención de representar la constante transición/migración de un hogar nómada a un estilo de vida sedentario. Shuree Santuya ganó el premio CIFRA el pasado verano.