APICHATPONG WEERASETHAKUL
The Artist and the Filmmaker
(Del 5 de marzo al 2 de abril 2022)
Por Menene Gras Balaguer
En el marco del proyecto expositivo que Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona presenta del artista, con el nombre Perifèria de la Nit, Casa Asia organiza un programa con los 27 cortos que Apichatpong Weerasethakul considera más relevantes entre los trabajos que ha realizado con este formato. La propuesta que nos ha hecho llegar en cuatro programas que se proyectarán durante todos los sábados del mes de marzo es una de estas propuestas imprescindibles, porque completa la exposición que Joana Hurtado trae a Barcelona, con una selección importante de trabajos, de este artista clave del cine experimental e independiente, la mayoría en el formato de video instalaciones. Desde que empezamos a hablar sobre una posible colaboración por parte de Casa Asia, propusimos la actividad que hemos mantenido hasta ahora, a pesar de los obstáculos que hemos logrado superar finalmente, ajenos por cierto a todas las partes, pero que inevitablemente se dan cuando se trata de formatos de proyección, subtitulados y otros detalles a tener en cuenta con un proyecto de semejantes características como el que hemos querido plantear.
Apichatpong Weerasethakul nació en Bangkok en 1970, pero vivió en Khon Kaen, en el noreste de la Tailandia, hasta que ingresó en la universidad. En 1993, hizo el primer corto, seguido de algunos más hasta que realizó su primer largometraje en el año 2000. Desde que fuera premiado en 2010 con la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Premio de la Crítica del Festival de cine fantástico de Sitges con Uncle Boonmee Who Can Recall his Past Lives (El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas), el cineasta y el artista no han dejado de dialogar en la persona de Apichatpong. Este mismo año 2010 también recibió el Asian Art Award concedido en Seúl donde expuso con este motivo una gran instalación. Fue allí donde le conocí y me sorprendió que todavía no hubiera sido premiado en Cannes. Pero en aquel momento había sido considerado como el mejor artista asiático y no se sabía que seguiría sumando premios aquel mismo año. Desde entonces hasta el día de hoy, los encuentros efímeros en festivales donde presentaba sus nuevos trabajos se han ido sucediendo. Se ha convertido con el tiempo en una figura incuestionable, cuyo estilo hemos ido encontrando en diferentes lugares del mundo. Cuando recibió el Prince Claus Award en Amsterdam, yo formaba parte del grupo que participó en la propuesta de candidatos a los premios, en dicha edición, y volvimos a vernos en la ceremonia de entrega donde él habló de su vida privada y de su obra como si fuera un personaje más de alguna de sus películas, con el argumento de que ambas eran inseparables.
Arquitecto de formación, cuando terminó sus estudios en Tailandia, viajó a Chicago para inscribirse en un máster de Bellas Artes en la School of the Arts Institute. En la trayectoria del artista, hay etapas anteriores y posteriores a 2010, en las que los éxitos se suceden, y donde se pueden encontrar los antecedentes de todos los trabajos que ha hecho, y los numerosos proyectos colectivos en los que ha colaborado, junto con la recepción que han tenido respectivamente. Luminous People (2007) es uno de estos ejercicios filmado en Super 8, que realizó por encargo de la Fundación Calouste Gulbenkian de Portugal para conmemorar su cincuenta aniversario; y Mobile Men (2008) es su contribución a la película Historia de los derechos humanos para conmemorar el 60 Aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Ambos cortos forman parte de los cuatro programas que presentamos ahora. La trayectoria de este prolífico artista y cineasta reconocido mundialmente por sus continuas aportaciones empieza con Blissfully Yours (2002), Premio Un Certain Regard en Cannes, y su trabajo se convierte en una especie de trending topic a partir de A Tropical Malady (2004), Premio del Jurado en Cannes también, seguida de Cemetery of Splendour (2015) y Memoria (2021), Premio del Jurado en el mismo festival. Con todo, no es de extrañar que su primer largometraje, Mysterious Object at Noon (2000), se haya convertido en un precedente cuyo rescate era urgente y ha sido asumido por la Film Foundation que preside Martin Scorsese y por el Austrian Film Museum, que han apostado por su restauración.
No se trata de mencionar aquí todos sus largometrajes ni todos los premios que ha ido recibiendo en diferentes partes del mundo en el transcurso de las dos últimas décadas, porque los que se nombran aquí son suficientemente representativos de toda su carrera. Los veintisiete cortos que presentamos han sido producidos entre 1997 y 2020, aunque su primer trabajo en este formato, Bullet, es de 1993, un título sin sonido donde el artista se sume en la contemplación de la relación entre luz y tiempo. De alguna manera sus cortos están vinculados a toda su poética, a todos los personajes de los mundos oníricos que él ha creado y a la atmósfera tan singular y personal que le caracteriza. Rodados en súper-8, 16 mm, 35 mm, vídeo digital o teléfono móvil, sus producciones son comparables a escrituras complementarias que se integran perfectamente en el conjunto de su obra como relatos independientes que se reconocen como parte de un mismo cuerpo de trabajo.
La duración total de los cuatro programas asciende a 380 minutos, siendo muy variable la de cada relato, tanto como lo es su narrativa. Pero sus cortos son indisociables del proceso por el que crea representaciones sensibles de lo que vemos, soñamos o recordamos, y por lo tanto su descubrimiento resulta imprescindible para explorar el discurso estético que subyace en todo lo que hace. La memoria autobiográfica y las visiones sin forma física, al igual que mitos y leyendas, constituyen un punto de partida por su extrañamiento y para los múltiples desdoblamientos que las imágenes replican. Considero que esta antología que presentamos, concebida también a modo de retrospectiva de sus cortos, es una oportunidad única para poder abordar toda la obra del artista y del cineasta que en realidad conviven en ese yo que es su hacedor, lejos de pensar que se trata de trabajos residuales. Más bien al contrario, se pueden entender como pequeñas grandes obras comparables a iluminaciones que preceden siempre a las grandes ideas, con una producción extremadamente elaborada, sin que esto conste de una manera explícita.
Por su práctica estrictamente artística, Apichatpong se encuentra en las principales colecciones internacionales públicas y privadas, como la de la Tate Modern o la de la Fundación Louis Vuitton. Sus instalaciones y video instalaciones se han podido ver en La Bienal de Venecia, la Documenta de Kassel y en otros eventos internacionales donde se dan cita artistas de todo el mundo. A través de la empresa que creó en 1999, Kick The Machine Films, no sólo produce todas sus películas, sino que también se dedica a la promoción de cine independiente y experimental con el apoyo que presta a sus autores. En 2010, Xcèntric presentó en el CCCB un programa de diez cortos bajo el título Mysterious Objects, en una sola sesión, para mostrar una producción del artista más experimental, cuyo descubrimiento resultaba esencial para comprender mejor un cine que hasta entonces apenas se conocía. Algunos de los títulos que se presentaron como Mobile Men, Ghosts of Asia, The Anthem y Vampire se podrán volver a ver en alguna de las cuatro sesiones que presentamos y que el propio Apichatpong ha querido organizar y reorganizar. Respectivamente, en 2018, el festival Spain Moving Images presentó cuatro cortos en la Retrospectiva que dedicó al cineasta en el CBA (Círculo de Bellas Artes de Madrid). Eran Letter to Uncle Boonmee, Ashes, Emerald y Ablaze, que también se recogen en la selección que presentamos en esta ocasión. Hemos querido respetar el orden que el mismo ha establecido porque, lejos de ser arbitrario, el público podrá ver la lógica de la estructura en la que ha reunido los veintisiete capítulos de esta antología, que puede considerarse como la más amplia que se ha visto hasta ahora en nuestro país.
Para el artista y el cineasta, los fantasmas son una realidad, y el cine fantástico es un recurso muy útil para cuestionar lo que entendemos por real y realidad, porque a menudo según él nos traicionamos involuntariamente cuando queremos convencernos de que no hay otra realidad que aquella que tocamos y vemos. Él parte de la base de que lo que entendemos por fantasma es un doble de lo que creemos real, y que no por eso es menos real, sino al contrario. La memoria en todas las edades de la vida es la fuente de todas las voces indescifrables que hablan en el interior de todos sus personajes, y se convierten oportunamente en monólogos atmosféricos o fluviales que inundan las imágenes, incluso cuando estas son silentes. Apichatpong hace convivir, tanto en sus cortos como en sus largometrajes, el realismo fantástico, sueños y recuerdos personales, junto con leyendas y mitos propios de la tradición local, aprovechando los instrumentos que brindan las tecnologías digitales. El cine siempre es truco, suele decir, por eso, me gustan los efectos especiales y el control del tiempo. El corto Cactus River que forma parte de este programa es un poema en blanco y negro, donde el artista demuestra su capacidad para representar la tensión entre temporalidad e intemporalidad, al igual que las velocidades sin límite del tiempo a través de la imagen en movimiento.
Comisariado:
Apichatpong Weerasethakul
Menene Gras Balaguer, directora de Cultura y Exposiciones de CASA ASIA y directora del Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN
Coordinación:
Rodrigo Escamilla Sandoval, coordinador general de Cultura de CASA ASIA y Exposiciones y directora del Asian Film Festival Barcelona | AFFBCN
Tráfico de películas:
Priyanka Ragji
Traducción y subtitulados al Castellano:
Priyanka Ragji
Rafael Montón
Agradecimientos:
Apichatpong Weerasethakul
Max Tersch, White Light Post
Joana Hurtado, directora de Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona
Apichatpong Weerasethakul
Programa general
Programa 1 | 104’15’’
Sábado, 5 de marzo de 2022 a las 20:00h
Programa 1A | 24’76’’
The Anthem | 2006 | 5’ Cinetracts | 2020 | 2’10’’
Footprints | 2014 | 5’50’’
Blue | 2018 | 12’16’’
Programa 1B | 79’39’’
La Punta | 2013 | 1’33’’ M Hotel | 2011 | 11’50’’
Emerald | 2007 | 11’
Mobile Men | 2008 | 3’15’’
Cactus River | 2012 | 10’09’’
Worldly Desires | 2005 | 42’32’’
Programa 2 | 100’49’’
Sábado, 12 de marzo de 2022 a las 20:00h
Trailer for Cindi | 2011 | 1’21’’
Ashes | 2012 | 20’28’’
Vampire | 2008 | 19’
Haunted Houses | 2001 | 60’
Programa 3| 84’99’’
Sábado, 26 de marzo de 2022 a las 20:00h
thirdworld | 1997 | 16’38’’
Empire | 2010 | 2’
My Mother’s Garden | 2007 | 6’42’’
Ghost of Asia | 2005 | 9’11’’
Monsoon | 2011| 3’11’’
Luminous People | 2007 | 15’
Nimit |2007| 15’57’’
A Letter to Uncle Boonmee | 2009 | 17’40’’
Programa 4 | 90’04’’
Sábado, 2 de abril de 2022 a las 20:00h
This and a Million More Lights | 2003 | 1’
Malee and the Boy | 1999 | 26’45’’
Nokia Short | 2003| 2’
Ablaze | 2016 | 4’46’’
Mekong Hotel | 2012 | 56’13’’
Total: 27 Cortometrajes | 380min.
Los cuatro programas que integran esta Retrospectiva se proyectarán en CINEMES GIRONA (C/Girona, 175, 08037, Barcelona) del 5 al 26 de marzo de 2022.
Apichatpong Weerasethakul
Retrospectiva
1997-2020
Programa 1 | 104’15’’
Programa 1A
The Anthem | 2006 | 5’
En Tailandia, antes de cada proyección de una película, se reproduce un Himno Real (Royal Anthem). Su propósito es honrar al Rey. Es uno de los rituales arraigados en la sociedad tailandesa antes de determinados acontecimientos para bendecir a algo o a alguien. The Anthem forma parte de ‘Artist Cinemas’, comisionado por la Frieze Art Fair, del Reino Unido. Es una película que alaba y bendice el teatro y el largometraje que se aproxima a cada proyección. (VOSE).
Cinetracts | 2020 | 2’10’’
Cada director creó una obra en respuesta al turbulento clima sociopolítico de 2020, una reflexión o reacción al zeitgeist tal como el artista lo percibe y define. De la misma manera que en el proyecto original de Cinetracts, los directores participantes trabajaron dentro de una serie de directrices que incluían un tiempo de ejecución de no más de dos minutos, un día para realizar la obra, y una referencia explícita de la fecha y la ubicación geográfica para con la película. El proyecto finalizado actúa como un índice dinámico de lugares y una representación persuasiva de nuestro tiempo, y tal vez una provocación para lo que vendrá. (Sin diálogos).
Footprints | 2014 | 5’50’’
La contribución de Weerasethakul a una producción ómnibus que explora las analogías entre el fútbol y la vida cotidiana. El proyecto fue creado por el director de cine mexicano Daniel Gruener y se emitió originalmente durante la Copa Mundial de la FIFA 2014. (Sin diálogos).
Blue | 2018 | 12’16’’
Una mujer se pasa la noche en vela. Cerca, yacen un conjunto de telones de teatro que se extienden para revelar dos paisajes alternativos. Blue ofrece una engañosa y sencilla danza de pergaminos y un retrato del letargo entre el sueño y la realidad. Rodada durante 12 noches en el corazón de un bosque tailandés. (Sin diálogos).
Programa 1B
La Punta | 2013 | 1’33’’
Un viaje en coche a través de la lluvia tropical. La Punta forma parte de Future Reloaded, un homenaje cinematográfico colectivo a la 70ª edición del Festival de Cine de Venecia 2013. (Sin diálogos).
M Hotel | 2011 | 11’50’’
Dos hombres se encuentran en la habitación 1702 de un hotel llamado M, situado en el corazón del área de Yau Ma Tei. Son miembros del equipo de rodaje que ha visitado Hong Kong por primera vez. Pasan la tarde en la habitación haciendo retratos de recuerdo. Abajo, en el parque, está sentado un miembro de su equipo con un micrófono sujetado en la chaqueta. Más tarde, el hombre abandona su banco y deambula por la zona. (Sin diálogos).
Emerald | 2007 | 11’
Sueños y recuerdos resuenan en el ruinoso y abandonado Hotel Emerald de Bangkok, una luz fantasmal reina en los pasillos vacíos. Su apogeo llegó en los años 80, cuando la economía se desarrolló rápidamente y los refugiados camboyanos llegaron en masa a Bangkok. Sin embargo, tras la crisis financiera asiática de 1997, los sueños de un futuro mejor se hicieron añicos. Weerasethakul deja que tres actores hablen de sus sueños, ciudades de origen, momentos tristes e historias de amor para llenar el Emerald de nuevos recuerdos. (VOSE).
Mobile Men | 2008 | 3’15’’
Dos jóvenes en una camioneta se filman a sí mismos. Perteneciendo a diferentes partes del mundo, a través del uso de una cámara se descubren el uno al otro. En un ambiente ventoso, se filman inicialmente con primeros planos de partes de sus cuerpos, y luego, poco a poco, filman sus figuras completas. A medida que los objetos de la cámara cambian, un paisaje de campos de arroz y un equipo de cine entran en escena. A continuación, la cámara vuelve a filmar la carretera y a los hombres, como si estuviéramos asistiendo a un ensayo cinematográfico. Cuando el encuadre vuelve a filmar a uno de los dos personajes principales, que tiene tatuajes por todo el cuerpo, el hombre se levanta la camisa y se arranca un micrófono con cable que lleva pegado al pecho. Luego lo pega en el tatuaje y grita a pleno pulmón. El micrófono capta el fuerte ruido del viento y la cámara se desplaza para captar su rostro. Mira directamente a la cámara, sonriendo. (VOSE).
Cactus River | 2012 | 10’09’’
Cactus River es un diario de la época en que visité a la pareja – de las diversas condiciones del agua y el viento. El flujo de los dos ríos – el Nach y el Mekong, activa mis recuerdos del lugar donde filmé varias películas. A lo largo de muchos años, esta mujer que una vez se llamó Jenjira me ha presentado este río, su vida, su historia y su creencia sobre su futuro inminente. Está segura de que pronto no habrá agua en el río debido a la construcción de presas en China y Laos. También me di cuenta de que Jenjira ya no estaba. (Sin diálogos).
Worldly Desires | 2005 | 42’32’’
Una pareja escapa de su familia para buscar un árbol espiritual en la jungla. Por la noche hay una canción, una canción que habla de una idea inocente del amor y de la búsqueda de la felicidad. Worldly Desires es un proyecto experimental en el que invité a un amigo cineasta, Pimpaka Towira, a rodar la historia de amor durante el día y la canción por la noche. La historia, Deep Red Bloody Night, fue escrita por mi asistente, que quería retomar una época más romántica del pasado. Escogí una canción pop, “Will I be Lucky?”, para transmitir la sensación de libertad que uno siente cuando se enamora. El vídeo es un pequeño simulacro costumbrista, dedicado a los recuerdos del rodaje en la selva durante los años 2001-2005. (VOSE).
Programa 2 | 100’49’’
Trailer for Cindi | 2011 | 1’21’’
En el tráiler de la quinta edición del Festival de Cine Digital de Seúl, la frontera entre el telón y la pantalla se desdibuja de forma traviesa. (Sin diálogos).
Ashes | 2012 | 20’28’’
Weerasethakul filmó Ashes con una LomoKino, una cámara de 35 mm, entonces nueva, barata y fácil de usar. Las imágenes confusas parecen un vídeo casero, los cortes rápidos difieren de las imágenes lentas y meditadas de muchas de sus películas. En cuanto al contenido, contrastan las escenas cotidianas rurales e íntimas con los lados más oscuros de la realidad social de Tailandia. (VOSE).
Vampire | 2008 | 19’
Nok Phii es un pájaro mítico que se alimenta de la sangre de otros animales. En las historias aparece como un agresivo depredador nocturno, pequeño, con ojos enormes que incluso ataca a los humanos. Cuando los habitantes de una remota aldea de montaña del norte de Tailandia informaron en 2007 de que habían visto una pareja de Nok Phii, el equipo de rodaje partió en busca de esta rara criatura. El viaje onírico los lleva al hábitat de un ave que nunca ha sido capturada por nadie y que quizá ni siquiera exista. (VOSE).
Haunted Houses | 2001 | 60’
Haunted Houses es una de las cuatro obras en las que Apichatpong aborda varias formas de adicción a los medios de comunicación en el panorama cultural tailandés. En esta obra en concreto, la narración se ha guionizado directamente a partir de dos episodios de un popular canal de televisión militar tailandés llamado Tong Prakaisad. La serie trata principalmente del amor y de los problemas de los ricos. Luego, el director viajó a los pueblos cercanos a su casa y pidió a los aldeanos que participaran actuando, según el guion. Los 66 aldeanos de seis aldeas participaron retomando los papeles. La historia era continua, pero los actores que interpretaban a los personajes cambiaban constantemente a medida que el lugar de rodaje se trasladaba de un pueblo a otro. En su entorno familiar, los aldeanos del noreste de Tailandia representan dos episodios de una telenovela tailandesa. Se hace evidente el contraste entre la telenovela sobre el amor y los problemas de los ricos y los pueblos sencillos de la provincia. (VOSE).
Programa 3 | 84’99’’
thirdworld | 1997 | 16’38’’
Weerasethakul describe thirdworld como un “documental reconstruido”, ya que todo el sonido se grabó sin el conocimiento de los protagonistas. En una calidad no tratada se muestran paisajes metafóricos y reales de la isla Panyi, en el sur de Tailandia, combinados con historias, sueños y fantasías de los habitantes de la isla. El título alude paródicamente al término utilizado por Occidente para describir a Tailandia y otras regiones “exóticas”. Algunas secuencias de la película proceden del material rodado para Mysterious Object at Noon. (VOSE).
Empire | 2010 | 2’
Empire es una película sobre la búsqueda y el encuentro. Mientras la cámara recorre las paredes de una cueva o gruta, vemos a un buzo con un casco blanco reluciente y una mano que se sumerge en la arena para recoger algunas conchas, deslizándolas juguetonamente entre sus dedos. Las imágenes van acompañadas de un rugido polifónico, un martilleo y un traqueteo. ¿El buzo ha estado buscando algo y alguien más lo ha encontrado? (Sin diálogos).
My Mother’s Garden | 2007 | 6’42’’
La película es la impresión de una colección de joyas de Victoire de Castellane. Las piezas de la colección se inspiran en varios tipos de flores peligrosas y plantas carnívoras. Cada pieza tiene un movimiento mecánico oculto. La mayor parte de la imagen de la película consiste en primeros planos extremos de las joyas. La película es también un homenaje al jardín de la madre del cineasta, con raíces de orquídeas salvajes, insectos y diversos organismos. (Sin diálogos).
Ghost of Asia | 2005 | 9’11’’
Influenciados por el tsunami de 2004, los cineastas desarrollaron el personaje de un fantasma viviente que vagaba por una costa rocosa. En una isla de Tailandia, invitaron a los niños locales a dirigir la película guiando al actor-espíritu como si fuera una marioneta. Al proyectar sus ideas en la figura del fantasma, medio real, medio imaginada, las fantasías de los niños adquieren sustancia, el actor se convierte en una proyección de posibilidades. (VOSE).
Monsoon | 2011 | 3’11’’
Monsoon es un video de respuesta al terremoto y al tsunami que asolaron la región japonesa de Tohoku el 11 de marzo de 2011. Un hombre está hablando por Skype al otro lado del mundo. Descubre una luciérnaga y se la muestra a su compañero. Este vídeo es una canción de cuna para una noche de monzón, para un ser querido lejano y para un campo vacío al otro lado de la ventana. (Sin diálogos).
Luminous People | 2007 | 15’
Luminous People es una recreación de un acontecimiento para conmemorar la presencia de los muertos y los recuerdos descompuestos de los vivos, del cine. Un grupo de personas viaja en una barca por el río Mekong que se extiende a lo largo de la frontera entre Tailandia y Laos. Corren contra el viento, anticipando una despedida. En medio del río, la señora cabeza de familia arroja las cenizas al arroyo. El polvo blanco se funde con el agua cenagosa. El barco da una vuelta en U en el puente que une dos países. Los pasajeros están cansados y comienzan a adentrarse en su propio mundo. La película se desintegra. El equipo y el elenco se pierden en el río de la simulación. La frontera une los mundos de los muertos y de los vivos. Persiste el recuerdo de un padre muerto anónimo. El barco sigue avanzando mientras llega el crepúsculo. Apichatpong y su equipo viajaron a Nong Khai, un pequeño pueblo cerca del río Mekong, y reclutaron a aldeanos locales para que participaran en el proyecto. Durante dos días, mientras estaban en el barco, el equipo y el elenco reconstruyeron una ceremonia falsa y encontraron una narrativa. Más tarde, algunos de los miembros del equipo vieron el material y grabaron sus conversaciones. Durante el proceso, uno de ellos repitió una historia de su padre muerto que vino a visitarle en sueños. Apichatpong le pidió que cantara para la película. (VOSE).
Nimit | 2007 | 15’57’’
Con motivo del 80º cumpleaños del rey tailandés, Nimit se creó dentro de una serie de nueve películas realizadas por diferentes cineastas. Partiendo de la presencia constante de la imagen del rey en su infancia, Weerasethakul muestra imágenes de la vida cotidiana de su familia y construye así un puente hacia la bondad del rey. (VOSE).
A Letter to Uncle Boonmee | 2009 | 17’40’’
Este cortometraje es una carta personal que describe mi Nabua al tío Boonmee. La película se compone de tomas nocturnas al interior de diferentes casas. Todas están deshabitadas excepto una casa con un grupo de jóvenes soldados, interpretados por algunos adolescentes de Nabua. Dos de ellos se hacen pasar por mí narrando la película. (VOSE).
Programa 4 | 90’04’’
This and a Million More Lights | 2003 | 1’
This and a Million More Lights es uno de los distintos vídeos de un minuto realizados por artistas para la campaña de la Fundación Nelson Mandela 46664: Give 1 Minute of Art to AIDS (Dale 1 Minuto de Arte a la lucha contra el SIDA). Entre los artistas que contribuyeron estaban A K Dolven, Alfredo Jaar, Berni Searle, Bill Viola, David Krippendorff, Matali Crasset, Matthew Barney, Santeri Tuori, Seydou Keita, Tere Recarens y William Kentridge. Estrenada en el concierto “46664” en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, el 29 de noviembre de 2003. Una luz fluorescente estroboscópica intercala escenas de una piscina urbana; un niño tienta el agua. La obra es una de las primeras películas experimentales de Apichatpong, producida mientras asistía al Instituto de Arte de Chicago. Se basa en una conversación telefónica a larga distancia entre el cineasta y su madre en Khon Kaen. Apichatpong hizo un collage con una vieja fotografía de su madre cuando era joven con una imagen de su apartamento en Chicago. La aparición de la imagen de su madre no sólo evoca trozos de recuerdos, sino que también transmite la fuerte añoranza que siente el artista por ella. Ciudad natal y tierra extranjera, pasado y presente, realidad y memoria, se entrelazan entre sí a través de las imágenes superpuestas. Técnicamente, se fotografiaron cuatro capas de películas en blanco y negro, fotograma a fotograma en una máquina de impresión óptica. El ajuste de la exposición de cada fotograma se calculó para reflejar la intensidad de las voces, que fueron previamente mapeadas en la tira de película magnética de audio. Este proceso de “esculpido” refleja la influencia de la formación arquitectónica de Apichatpong y su inmersión en el cine estructural. (Sin diálogos).
Malee and the Boy | 1999 | 26.45’
Originalmente llamado Malee and the Boy and His Microphone and a Hungry Satan, es un proyecto colaborativo relacionado con aparatos de imagen/sonido. El protagonista es un niño de 10 años que se encarga del micrófono. Recorre lugares alrededor de Bangkok para recopilar sonidos para el vídeo. El sonido indica la dirección a la que se dirige durante el rodaje y muestra su punto de interés. El director se encarga de la imagen, filmando aproximadamente en las localizaciones del chico. La narración de la película, presentada en textos, está tomada de un cómic tailandés disponible en los alrededores del lugar de rodaje. Esta documentación de rostros y lugares puede verse como un diario de una tarde en Bangkok. (VOSE).
Nokia Short | 2003 | 2’
Grabado con un teléfono móvil Nokia, el vídeo juega con la imperfección, la incapacidad, lo aleatorio y lo confuso. El cortometraje no pretende producir un vídeo por otros medios, sino explorar un nuevo ámbito de la imagen en movimiento, subrayando las deficiencias de la cámara del teléfono móvil en lugar de ocultarlas. Las imágenes de una playa transmiten una atmosfera ligera y alegre, la escasa resolución y los filtros utilizados crean un mundo visual onírico en el que el espectador se pierde. Nokia Short fue financiado por Nokia Tailandia como anuncio de su primer teléfono con cámara integrada. (Sin diálogos).
Ablaze | 2016 | 4.46’
Una pintura en movimiento, pincelada con sombras negras sobre blanco. Un hombre y una mujer de pie en un oscuro bosque. Buscan algo, pero el hombre bloquea la visión de la mujer. Unas misteriosas llamas arden con fuerza, pero ella no podrá verlas. (Sin diálogos).
Mekong Hotel | 2012 | 56.13’
Mekong Hotel es el retrato de un hotel ubicado cerca del río Mekong, en el noreste de Tailandia. El río marca la frontera entre Tailandia y Laos. La película mezcla diferentes ámbitos, realidad y ficción, manifestando los vínculos entre una madre vampiresa y su hija, los jóvenes amantes y el río. Mekong Hotel se filmó en la época en que Tailandia sufrió fuertes inundaciones. Por consiguiente, también alude conceptos como la demolición, la política y un sueño de futuro a la deriva. (VOSE).
