Ciclo de cine: «Orient Express» en Betevé y Movistar+ (En.-Jun. 2022)

Betevé y Casa Asia continúan colaborando para hacer posible un nuevo programa de cine asiático que constará de doce títulos, a partir del 7 de enero de 2022. El programa «Orient Express» que se emite semanalmente todos los viernes, a las 22 horas, presentará sucesivamente doce películas procedentes de Afganistán, China, Corea, India, Indonesia, Irán, Japón, Kazajstán, Mongolia y Nueva Zelanda.

Películas como A Letter to the President y Rockabul de Afganistán, The Rib de China, Dust de India, Wild Jonquils y Yeva de Irán, Only the Cat Knows de Japón y Ms. Purple de Corea son solo un paradigma del nuevo cine asiático y sus geografías. En esta nueva edición, Casa Asia mantiene el compromiso con un cine de género, experimental e independiente, cuyo potencial es innegable, como también se muestra no solo en los títulos que se han nombrado sino también en Out of Paradise de Mongolia, 27 Steps of May de Indonesia, The Girl and the Sea de Kazajistán y Broken de Nueva Zelanda, representativos de un cine más periférico. El crecimiento de la industria cinematográfica en estos países y otros es imparable en mayor o menor medida, y de ahí que la presencia de sus respectivas cinematografías sea cada vez más relevante en todos los festivales nacionales e internacionales.

PROGRAMACIÓN:

La historia se basa en hechos reales que tuvieron lugar en 1987. Sardasht, una ciudad kurda en la frontera entre Irán e Irak, junto con varias aldeas en las áreas circundantes son atacadas con armas químicas por las fuerzas iraquíes. Ghader, un aldeano de la zona y su esposa embarazada, así como sus tres hijos pequeños, quedan expuestos a los productos químicos y sufren lesiones. La situación en el pueblo y las ciudades circundantes es caótica. Ghader tiene que tratar de mantener a su familia con vida sin la ayuda de nadie.

Mohammad Hossein Mahdavian nació en 1981 en Babol, Irán. Se graduó en la Universidad de Soore con una licenciatura en cine y televisión en dirección. Máster en producción de la Universidad de Radiodifusión de Irán. Standing in the Dust fue nombrada la mejor película en el Festival de Cine Fajr 2015. Por segunda vez, recibió el premio en 2016 por Las aventuras del mediodía.

Afshin tiene 12 años y vive con su familia en las montañas de Chil Dokham. Es un sitio donde la violencia doméstica convive con las bombas, las sirenas y los cadáveres formando parte de su infancia. Su padre emigra a otro país y a partir de ese momento deja de ser un niño para convertirse en un adulto. Reaparece como conductor de autobús, con una doble personalidad. Por una parte, es un padre afable, y por otra, un conductor temerario. Ambas historias se entremezclan mostrando el retrato del alma de una ciudad agónica.

Aboozar Amini (1985) abandonó Afganistán y emigró a Holanda cuando era muy joven. En Ámsterdam estudió en la Ritveld Art Academy, pero su origen cultural desempeña un papel central en su trabajo. Desde que empezó a hacer cine la interculturalidad está en la base de todas sus historias. Para realizar el máster en dirección y estética del lenguaje cinematográfico, residió en Londres temporalmente, pero actualmente vive y trabaja entre Ámsterdam y Kabul.

Justo antes del segundo matrimonio de Soodeh Sharifzadegan, su hijo de 11 años, Matiar, es secuestrado. Tras un gran esfuerzo, Soodeh se ve obligada a pedir el dinero del rescate a su ex marido, Peyman. Tras la liberación de Matiar, Soodeh, curiosa, se da cuenta de que todo era un plan de su hijo para hacer que su padre volviera a casa.

Kazem Mollaie empezó a hacer cine con un cortometraje llamado From Game to … en 1999. Mollaie se licenció en Dirección Cinematográfica en la Universidad de Soore de Teherán en 2005. Ha sido miembro de varias organizaciones, como la Sociedad de Cine Joven de Irán (IYCS), la Alianza Iraní de Gremios Cinematográficos (Khaneh Cinema) y miembro de la Junta Directiva de la Asociación de Cortometrajes de Irán (ISFA). Es conocido por su primer largometraje llamado Kupal (2017) y por cortometrajes como Delete (2011) y Minus (2009).

Aman (Amerul Affendi) es un joven aspirante a escritor que, tras la muerte de su padre, hereda su coche y se traslada de Pahang a Kuala Lumpur. Sin embargo, lucha por encontrar trabajo y acaba aceptando ser conductor de una aplicación de transporte, Toompang. Mientras tanto, su hermano, con quien estaba viviendo, lo hace fuera de casa y por lo tanto, Aman utiliza el automóvil de su viejo padre no sólo como herramienta de trabajo, sino también como casa improvisada. Durante los largos días y noches de trabajo, Aman entra en contacto con la humanidad dispar que se mueve por las calles de una ciudad de grandes contradicciones. Al menos hasta que conoce a Bella (Mei Fen Lim), una estudiante originaria de Penang, que le ofrece refugio y le propone convertirse en su conductor privado por su trabajo nocturno…

Muzzamer Rahman comenzó a filmar su primer largometraje con la producción independiente Hail, Driver! Dirigió una película comercial para Jazzy Pictures, Takut ke Tak, que se estrenó en los cines de Malasia en agosto de 2020, antes que Hail, Driver!, que aún no ha tenido un estreno nacional oficial.

Life in 24 Frames a Second es una película sobre desgracias insuperables y tragedias, sobre perseverancia y triunfo. Contada de forma íntima por John Woo, Anurag Kashyap, Rithy Panh y Lav Diaz, que antes de convertirse en respetados maestros del mundo del cine, sobrevivieron a la extrema pobreza, la enfermedad, abusos sexuales, el genocidio y la guerra civil. Por encima de todo estaba su profundo amor por el cine. La película explora el sufrimiento de sus infancias, cómo las soportaron, qué les inspiraba y el significado del cine en sus vidas.

Saw Tiong Guan nació en 1980 en un pueblo llamado Sempalit de Malasia. Abogado de formación, Tiong Guan enseña derecho en la Facultad de Derecho de la Universidad de Malaya a la vez que se dedica a la producción cinematográfica. Se doctoró en la Universidad de Melbourne en 2011. En 2013 produjo y dirigió el documental Past Present sobre Tsai Ming-liang y los años dorados del cine. En 2016 colaboró con Christopher Doyle para la película solidaria Wind.

Ambientada en el trasfondo del caos de la capital y en los neblinosos campos de flores de mostaza, Cold narra los profundos e interminables pensamientos, pesadillas y sufrimientos de la protagonista, Varsha, una artista que pinta según su estado de ánimo y emociones. Vive de alquiler en el centro de la ciudad con su mascota, Kiya. Huérfana y privada de su niñez, Varsha es incapaz de confiar en nadie, pero su vida cambia, cuando conoce a Meriyam Joseph, una monja que era amiga de su madre. El viaje físico y emocional de Varsha junto a este personaje le permite descubrir la vida de su madre y la tragedia que la convirtió en huérfana.

Anoop K K es un director de cine, pintor, editor, diseñador de producción y fotógrafo de Kerala. Graduado en Bellas Artes (cuatro años de Pintura y Escultura) en la SSUS Kalady, siguió sus estudios de posgrado consiguiendo un título en Edición de cine y otro en Cinematografía y Fotografía en la CRAFT de Delhi. Anoop cuenta con más de diez años de experiencia en la industria del cine. Ha escrito, dirigido y editado Cold, su primer largometraje. Ha trabajado como ayudante del diseñador de producción Sunil Babu, y como ayudante de dirección con el director malabar Blessy. También ha trabajado como director creativo para agencias de publicidad de cine. Como pintor, ha comisariado numerosas exposiciones de arte en Kochi y Bangalore.

Durante la búsqueda de la localización de su última película, un cineasta obstinado tiene varias revelaciones. Ve la realidad en el presente, en el pasado y en los sueños; también ve cómo esperaba que fuera todo y el misterioso lado oscuro que trata de esconder y del que intenta huir. Todo vuelve y lo ataca. En esta película, Boonsong se interpreta a sí mismo, su hijo toma el rol del director cuando era un niño y su madre se interpreta a sí misma. Esta es una más de las creaciones de Boonsong en las que intenta desafiar la normas, cruzando la ficción y el documental. La película se presentó en el Bangkok ASEAN Film Festival 2018.

Boonsong Nakphoo es escritor, director y actor de cine tailandés. Se ha licenciado en artes dramáticas por la Facultad de Artes de la Universidad de Chulalongkorn y tiene un máster en cine y artes digitales de la Universidad de Kasem Bundit, Bangkok, Tailandia.

Una mujer recién casada espera ser feliz, pero el día a día empieza y termina en la cocina. Su esposo trabaja como maestro en una escuela y su suegra vuela a los Estados Unidos para el parto de su hija. Mientras tanto, ella busca trabajo y cuando cree haberlo encontrado, su suegro se lo impide. Con cada día que pasa van sumándose los inconvenientes, y finalmente la protagonista se da cuenta de que aquel no es lugar para ella, y decide reaccionar de una forma radical.

Jeo Baby inició su trayectoria en la industria del entretenimiento escribiendo comedias para televisión en 2010, y participó en la redacción de los primeros episodios de las populares series televisivas como Marimayam, Uppum Mulakum y M80 Moosa. Su cuarta película en malayo, The Great Indian Kitchen, con Suraj Venjaramoodu y Nimisha Sajayan como protagonistas, se estrenó directamente en la plataforma OTT ‘NeeStream’ el 15 de enero de 2021. Tras la positiva recepción que tuvo en todo el mundo, la película se estrenó oficialmente en Amazon Prime.

Un día de primavera, Sayaka (Haruna Hori), una estudiante universitaria, Yui (Juri Fukushima), por quien se siente secretamente atraída, y la mejor amiga de esta, Momoko (Nanaho Otsuka), deciden hacer una escapada a la playa. La película se centra en estas tres jóvenes, y en las relaciones que se generan entre ellas uniéndolas y separándolas respectivamente cuando sus afectos entran en conflicto. La visita del músico Akihiro con dos estudiantes de intercambio coreanos, y un poeta tailandés mueve el deseo y desplaza inesperadamente el interés de unos y otros. La fiesta que los reúne es sólo un pretexto para ponerlos en contacto y hacer que despierten los sentimientos que los arrastran para comportarse de un modo u otro.

Natsuto Aimi ha escrito, dirigido, co-producido y montado Jeux de Plage, el primer largometraje de esta realizadora que se dio a conocer como actriz en Chigasaku Story (2015) de Tayuka Misawa, y como responsable de sonido en Yukionna (2017) de Kiki Sujino. El reparto muestra su conocimiento del medio al contar con actores y actrices conocidos como Haruna Hori (Shoplifters), Shinsuke Sato (Samurai Marathon), Juri Fukushima (I Want To Be Loved) y Donsaron Kovitanitcha, que fue jurado del AFFBCN en 2019.

Van, heredero de un clan vietnamita, regresa a casa desde los Estados Unidos por primera vez en 9 años, para ayudar al traslado de la tumba de su padre. Sorprende a toda la familia al llegar acompañado de Ian, un joven vietnamita estadounidense. Nadie sabe que Ian es el novio de Van y que los dos planean decírselo a la madre de Van, la Sra. Hanh, quien espera que su hijo se case y sea padre para cumplir con su deber como heredero. Para colmo, su abuela, que tiene demencia senil, confunde a Ian con su nieto. Mientras busca desesperadamente la ocasión perfecta para salir del armario, Van descubre que la Sra. Hanh está gravemente enferma.

Trinh Dinh Le Minh es un cineasta emergente de Vietnam. Su cortometraje de narración The Scent of Fish Sauce (2014) ha recorrido prestigiosos festivales de cine como el Festival Internacional de Cine de Palm Springs, el Festival de Cine de Londres del BFI y el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bucheon. Su primer largometraje, Goodbye Mother (2019), se ha proyectado en el Festival Internacional de Cine de Busan y en el Festival Internacional de Cine de Hawai.

Danny es uno de los miles de trabajadores migrantes filipinos que tuvieron que volver a su país durante la pandemia de la COVID-19. Se escapa del centro de cuarentena para reunirse con su familia, pero al ser acogido se da cuenta de las pésimas condiciones en que viven. Danny, para poder sobrevivir durante la crisis, cae en el sórdido mundo del trabajo sexual en línea actuando en un antro clandestino dirigido por un tal Rene, donde terminará trabajando a cambio de protección, tras evitar a las autoridades sanitarias, que asaltaron su casa llevándose a su familia y que todavía le persiguen.

El multipremiado director filipino Joel C. Lamangan estudió cine y teatro en Filipinas y en el extranjero. Fue actor y director para teatro y televisión, hasta que empezó a actuar para el cine y pudo estrenarse como director en 1991 con Darna. Entre sus películas más destacadas se encuentran: The Flor Contemplacion Story (1995), con la que obtuvo el premio Golden Pyramid en el festival de cine de El Cairo en 1995 y Nora Aunor se llevó el premio a mejor actriz; Pusong Mamon (1998), Deathrow (2000), Hubog (2001), Huling Birhen sa Lupa (2003), Blue Moon (2006) y Deadline (2011). En 2014, su largometraje Hustisya ganó el premio a mejor actriz y el Netpac en el festival de cine independiente filipino Cinemalaya. También se proyectó en el festival de Toronto y compitió en los de Varsovia y Nantes. Con Bhoy Intsik (2017) consiguió el premio especial del jurado en el festival de Oporto. Rainbow’s Sunset obtuvo nueve premios en el festival de Manila de 2018, además del premio especial del jurado y el premio a mejor actor para Eddie García y Tony Mabesa en el festival de Houston de 2019.

Confrontado a la realidad del cambio climático y del agotamiento de recursos, el cineasta Emmanuel Cappellin se da cuenta de que el derrumbe de nuestra civilización industrial es inevitable. Pero ¿cómo seguir viviendo con la idea de que la aventura humana podría fracasar? Para encontrar respuesta, Cappellin decide consultar a expertos y científicos como Pablo Servigne, Jean-Marc Jancovici o Susanne Moser. Entre todos, emiten un manifiesto colectivo y solidario para preparar una transición lo más humana posible.

Documentalista sobre temas medioambientales y sociales, Emmanuel Cappellin se interesa particularmente por las diferentes formas de entender la relación entre el hombre y la naturaleza y por las consecuencias que se derivan de la misma. Durante tres años ha estado trabajando en el estreno mundial de Human, de Yann Arthus-Bertrand, y actualmente trabaja en su próxima película Woman, tras dirigir Once you Know, largometraje documental producido por Pulp Films (Francia).

Mahender Nath Kaul ‘Azad’, además de ser un poeta urdu, ha sido profesor de urdu durante treinta años en el Awadh Degree College de Lucknow. A pesar de que el número de estudiantes en su clase de urdu ha disminuido año tras año, el amor de Azad por dicha lengua solo se ha multiplicado. En medio de las limitaciones familiares y los desacuerdos de todos los días, un día el director de Awadh Degree College informa a Azad de la decisión de cerrar el departamento de urdu de la universidad. Azad, junto con sus discípulos y otros colaboradores cercanos, inicia el movimiento pacífico y unificador «Aprenda urdu y tenga éxito», que será criticado y condenado por las fuerzas comunales hindúes y musulmanas. Ir en contra de estas le costará demasiado a Azad, pero también será la llegada de una revolución, de un nuevo amanecer.

Munzir Naqvi, nacido en Lucknow en 1985, comenzó como editor en una productora de televisión de Mumbai en 2006, y siguió en Times Television Network y Zee Network como editor de promoción visual. En 2016 escribió, editó, dirigió y produjo un cortometraje, Dhabba, que se proyectó en el 17º Festival de Cine Indio de Nueva York, en el 4º Festival Internacional de Cortometrajes sobre Cultura y Turismo de Jaipur y en el 14º Festival de Cine Indio de Stuttgart. Sehar es su primer largometraje como escritor y director.

La empresa de Young-jin rara vez reconoce su dedicación laboral por ser mujer, mientras que, a su compañero de trabajo, Ju-seol, no le ha costado nada escalar hasta conseguir el cargo de jefe de Young-jin gracias a sus contactos. Young-jin ve a Jun-seol como un enemigo, pero a su vez siente compasión por su vacío y lo ayuda a adaptarse a la compañía. Pero Jun-seol A pesar de todo no duda en robar los diseños de de su subordinada sin su consentimiento. Young-jin desea recuperar el diseño robado, pero le resulta muy difícil renunciar al amor que tanto le costó conseguir por parte de Jun-seol.

Nacida en 1980, Soo-jung Kim estudió en el Departamento de Arte, Cultura e Imagen de la Escuela de Posgrado de la Universidad Nacional de Busán. Unboxing Girl es su tercer largometraje, después de realizar A Blue Mouthed Face en 2015 y Suitcase on the Beach en 2018.

Emkan es un adolescente de 17 años que no ha visto a su padre durante muchos años y, cuya madre trabaja hasta altas horas de la noche en una fábrica. Él tiene una pequeña cámara de vídeo y decide hacer una película para darle un giro a su vida rutinaria. Aunque Emkan no es demasiado competente, hace todo lo posible para lograr su objetivo.

Nacido en 1957 en Saveh, Abolfazl Jalili es escritor y director. Es considerado uno de los miembros de la nueva ola iraní, empezó haciendo cine amateur con 16 años, e hizo más de once documentales, tres cortos y dos mediometrajes. En 1984, empezó a hacer largometrajes entre los cuales se encuentran Hafez (2007), Gol Ya Pooch (2005), Abjad (2003), Delbaran (2001), Don (1998), La Gale (1989), Bahar (1986), que son solo algunos de lo más de quince títulos que ha realizado a lo largo de su trayectoria.

Carmen es una madre devota que debe hacer frente a los contratiempos derivados del suicidio de su marido. Dos años antes, el la abandonó por otra mujer. El matemático de 54 años había asumido deudas que no pudo hacer frente. Recuperó la tienda de joyas que Carmen le administraba acosta de su propia vida. Tras el trágico desenlace, ella sólo quiere mantener la unidad familiar a pesar de la ausencia de control de sus hijos.

Joel C. Lamigan, es un cineasta cuya exitosa trayectoria profesional se inició tanto en la televisión como en el teatro. Hizo su debut en el cine en 1991 con Darna, a la que siguieron películas como The Flor Contemplation Story (1995) Hustiya (2014) premiada en en el Cinemalaya Independent Film Festival, Isa Pang Bahaghari (2020) o In the Name of the Mother (2020).

Vinci Da es un artista del maquillaje con una personalidad fuerte y conflictiva. Quiere hacerse un nombre dentro de la industria, pero, su carácter le genera constantes problemas. Su situación le hace estar en constante peligro. Adi Bose es un asesino que se cree una especie de abogado justiciero que pretende acabar con los delincuentes, y su aparición acaba relacionándolo con el protagonista.

Srijit Mukherjies un cineasta bengalí conocido por su cine crítico y éxitos comerciales como Autograph (2010) o Baishe Srabon (2011). Experimenta constantemente con diferentes géneros y narrativas, y esta es su principal característica.

Mejor Película de la octava edición del Festival Internacional de Cine Persa (Sídney, 2019). Es la historia de siete hermanas: Shabaneh, Negar, Nahid, Fereshteh, Niloufar, Rahil y Shekar. Aunque cada una de ellas vive su propia historia, sus vidas se ven atravesadas por la imposibilidad de encontrar el amor y el de construir su propio destino, porque el matrimonio forzado, el abuso y la violencia de género se lo impiden.

Navid Mahmoudi nació en Afganistán, pero cuando tenía seis años su familia se mudó a Irán. Desde muy joven sintió una gran atracción por el séptimo arte. Empezó su carrera como asistente de dirección, y en 2014 produjo su primera película A Few Cubic Meters of Love, que fue muy bien recibida tanto por el público como por la crítica internacional. En 2016 dirigió su primer largometraje Parting, y en 2018 Rona Azim’s Mother. Las tres películas han sido candidatas a los premios Oscar. En Seven and a Half, Mahmoudi recupera un episodio de su Afganistán natal, en el que la noche de bodas una novia fue asesinada por el novio al descubrir que no era virgen. A raíz de este incidente, Mahmoudi siempre ha temido que convive cualquier boda pueda terminar en luto.

Un equipo dirigido por un exitoso cineasta de Bollywood llega a una remota aldea del Himalaya para filmar un video musical y una secuencia de baile. Pronto se encuentran aislados del mundo exterior tras unas lluvias torrenciales y deslizamientos de tierra, y obligados a pasar por varias intensas e inolvidables experiencias. Cómo esos días accidentados por el asedio afectan los pensamientos y las prioridades del cineasta, constituye el tema central de la película. La película se presentó en el Internacional Film Festival 2018 de Kerala, el Dhaka International Film Festival 2018, el Montreal World Film Festival 2018 y el Hanoi International Film Festival 2018. Además, ganó el premio al Mejor Guión en el Aurangabad International Film Festival 2019 y el Premio de la Crítica en el Oporto International Film Festival 2019.

Bijukumar Damodaran, también conocido como Dr.Biju, es un guionista y cineasta ganador de tres premios nacionales en la India. Las ocho películas que ha realizado durante la última década han obtenido cinco premios nacionales de cine, cuatro selecciones de panorama indio, trece premios de cine estatales de Kerala y muchos otros reconocimientos nacionales e internacionales. Las películas de Dr. Biju se han proyectado en muchos festivales de cine de renombre en todo el mundo, incluidos Cannes, Montreal, El Cairo, Irán, Shangai, Eurasia, Telluride, Jeonju, Tallin, IFFK, IFFI y NYIFF. «Painting Life» es su primera película en inglés. Ha sido rodada íntegramente en el estado de Sikkim de l’Himalaya con un elenco y un equipo de origen indio proveniente de más de diez estados diferentes.

Viernes 15 de abril, 22h
Facing the Dragon | Dir: Sedika Mojadidi | 2019 | 80’ | Documental

En este documental la directora siguió durante cuatro años la vida de dos extraordinarias mujeres afganas: Nilofar, miembro del parlamento, y Shakila, una periodista de televisión. La retirada de las fuerzas americanas y de la ayuda internacional a Afganistán deja a la democracia y las recientes victorias de las mujeres pendiendo de un hilo, por lo que Nilofar y Shakila deberán escoger entre la maternidad y sus ambiciones profesionales, ante las crecientes amenazas que pesan sobre ellas y sus familias.

Sedika Mojadidi es una directora de cine independiente, productora y guionista. Nació en Afganistán pero se crió en Florida. En 2006 dirigió su primer documental Motherland Afghanistan, donde sigue la lucha de su padre por hacer marcar la diferencia en la mortalidad materna que afecta al país. Durante la última década Sedika ha producido y dirigido varios proyectos para cadenas de televisión como Discovery Channel y Humans Rights Watch, A&E, TLC, New York Times Television, ABC News y The Guardian Multimedia. Ha hecho varios rodajes en Afganistán desde el año 2003. Actualmente es profesora de Cine y Televisión en el Savannah Collegue of Art and Design.

Una familia de la casta Dalit (intocable) que vive en Kerala pierde la casa y sus propiedades en la temporada de las lluvias. Sus miembros también se quedan sin trabajo y se ven obligados a mudarse a Himachal Pradesh pera trabajar como guardas de un campo de manzanos. No obstante, se encuentran en un lugar donde lengua y cultura les son totalmente desconocidas. A esto se suma la adversidad climática y la discriminación que impone el sistema de castas en la India.

Bijukumar Damodaran (1971) conocido como Dr. Biju cuando era médico homeopático. No obstante, cambió esta profesión por la de director de cine y escritor. Trabajos como Saira (2005) o Sound of Silence (2017) le consagraron como cineasta.

Shokoo, una mujer de mediana edad, descubre que su ex-marido, Fereydoun, ha sido internado en un asilo por sus hijos. Ella y su segundo marido, Reza, deciden hacerse cargo de Fereydoun y llevárselo a casa. La relación entre Shokoo y Fereydoun no tarda en alterar la vida cotidiana de la pareja. La situación que se crea afecta sin quererlo a Reza y Shokoo, produciéndose cambios inesperados en la vida de los tres personajes.

Mona Zandi, es una cineasta que nace en Teherán en 1972. Dirige y edita cortometrajes, documentales y largometrajes. Muy joven fue asistente de dirección de la cineasta iraní Rakhshan Bani-E’temad, considerada una pionera en el medio. El cine de Mona Zandi corresponde al Irán posrevolucionario y se centra en temas sociales de la vida cotidiana contemporánea.

La vida doméstica aparentemente idílica del jubilado Chang-sik y de su esposa Gil-soon, postrada en cama y sin poder hablar después de un derrame cerebral, así como de su cuidadora Sook-ok, una inmigrante china coreana indocumentada, empieza a derrumbarse cuando a Gil-soon le sale una úlcera que no se cura. La aparición de la úlcera abre viejas heridas y quejas familiares en esta ópera prima de Shim Hyejung, que nos hace reflexionar sobre la ética relacionada con la atención a los ancianos y los discapacitados, así como sobre las responsabilidades que tenemos en tanto que familiares, auxiliadores sociales o geriatras

Shim Hyejung ha presentado sus películas en lugares como PAN ASIA en Corea, la Academia de las Artes de Irán y el JCCAC en Hong Kong. También ha competido en festivales de cine como el Jeonju International Film Festival, el Seoul International New Media Festival y muchos otros festivales de cine coreanos. En 2017, su película Camellias in Bloom fue nominada en la sección de cortometrajes en la 38ª edición de los premios Blue Dragon.

El Edificio Blanco de Phnom Penh, construido como vivienda social durante los años 60, está a punto de ser derribado. Con el acuerdo de casi el total de las 493 familias residentes, su derribo pretende dar paso a un nuevo proyecto de construcción de nuevos apartamentos. De la mano de sus habitantes, incluida su propia familia, el director retrata los últimos días de esta agonizante mega estructura, que ha sido testigo de la agitada historia reciente de Camboya y que, con su desaparición, sólo deja el recuerdo de una época.

Kavich Neang es cineasta y director de fotografía. Nació en Camboya y creció junto a su familia en el Edificio Blanco de Phnom Penh. A lo largo de su trayectoria ha realizado tanto documentales como cine de ficción. Ante la noticia del desalojo y derribo del Edificio Blanco, Neang decide con este último documental, volver al pasado y a su infancia, con el fin de comprender un presente en el que dicho lugar ya no existe.

Viernes 11 de marzo, a las 22.00h
Smoke Between Trees | Australia | Dir: Michael Joy | 2019 | 105’ | Drama
Antes, Mathew Higgins era un tipo blanco de clase media que llevaba una existencia suburbana. Ahora, es un hombre moldeado por el dolor; enojado, solo y sin familia. Cuando su nieto aborigen al que apenas conocía vuelva a entrar en su vida, tratará por todos los medios de reconciliar su dolor más profundo con el niño que está frente a él.

Michael Joy es un director cinematográfico cuyo trabajo singular y muestra su capacidad para dirigir a actores y no actores sacándoles actuaciones auténticas y muy potentes. Su primera película, Men’s Group, se proyectó en los festivales de cine de Rotterdam, Sídney, Melbourne, Varsovia y Singapur. Obteniendo el premio a la Mejor Película, el Mejor Guión, y el Mejor Actor, del Australian Independent Film Awards.

Viernes 25 de febrero, a las 22.00 h
Beautiful Pain (Belle Doleur) | Dir: Joji Villanueva Alonso | 2019 | 99’ | Romántica

Elizabeth es una mujer independiente, que ya ha cumplido los 40 años y sigue empeñada en vivir a su aire el resto de sus días. Después de la muerte de su madre tras una larga y agónica enfermedad, conoce a Jon, que es un joven 20 años menor que ella. A pesar de la diferencia de edad, él intenta convencerla de que no existen límites para enamorarse. Así que su relación parece tener un buen inicio, hasta que Liz se da cuenta de que no puede formar parte de los sueños de Jon.

Joji Villanueva Alonso, es una joven cieneasta filipina, que estudió Derecho en el St. Therese college. Tras trabajar más de 30 años como abogada, decidió aventurarse en la industria del cine como productora en Quantum Films. Desde entonces, ha producido más de 32 películas, muchas de las cuales han sido premiadas internacionalmente. The woman in the septic tank fue seleccionada para representar a Filipinas en los Óscar. Tras superar un cáncer, realizó Belle Doleur, que es su primer largometraje.

Para ir tras las huellas de su amor desaparecido, David se embarca en un viaje al corazón de la India, donde su novia Mumtaz fue vista por última vez. Mumtaz era fotógrafa y la única pista que tiene David sobre sus últimos días es una de sus fotos, que retrata a un niño pequeño. Buscando al niño, David se encuentra con el anciano y cínico Dr. Sharda, a quien le pide ayuda. Sin embargo, en breve se deberá enfrentar al oscuro pasado de Sharda, un pasado que Mumtaz ha documentado en sus fotografías. La película es presentó en el Berlin Film Festival 2019.

Udita Bhargava (1982, India) se ha licenciado en comunicación de masas y literatura inglesa y ha estudiado dirección en la Film University Babelsberg Konrad Wolf. Ha trabajado como asistente de cámara, fotógrafa y asistente de postproducción en producciones internacionales, entre ellas «Slumdog Millionaire» (2008). Sus cortometrajes se han proyectado en festivales de todo el mundo, y el más reciente, «Imraan, c / o Carrom Club» (2014), ganó el Premio promocional 3sat en el International Short Film Festival de Oberhausen. «Dust» es su primer largometraje.

Masaru se acaba de jubilar y espera poder disfrutar de una vida tranquila con su esposa Yukiko y su gato Chibi, una vez que sus hijos se hayan ido de casa. Yukiko siente que fue abandonada por su esposo, quien nunca ha expresado aprecio por los años que ha pasado apoyándole, y mucho menos su amor por ella. Un día, su amado gato Chibi desaparece. Sin embargo, a Masaru no parece importarle en absoluto. Su actitud hace que Yukiko decida pedirle el divorcio. Después de una larga e intensa discusión, Masaru le confiesa un secreto que ha ocultado durante años. La película se presentó en el Far East Film Festival 2019.

Nacido en 1971 en la Prefectura de Osaka, Syôtarô Kobayasi ha adquirido experiencia como director asistente bajo la supervisión de directores como Haruo Akira, Nakae Yuji, Yuki Isao e Izuru Kazuyuki. «Only the Cat Knows» es su opera prima.

Hoy en día, los afganos son una de las mayores poblaciones migrantes huyendo de su país hacia Europa u Occidente. Desde 2002 la comunidad internacional ha invertido más de un billón de dólares en Afganistán. ¿Qué ha ido mal? Esta película examina la campaña cultural que ha librado el gobierno de los Estados Unidos, entre otros. La historia es narrada a través de los ojos de unos jóvenes afganos que han fundado la primera banda de heavy metal del país, y de un australiano aventurero que ha creado una escena musical de estilo occidental en la capital, Kabul. ¿Podrán estos jóvenes ganarse el corazón de sus compatriotas “dando cabezazos” o los Talibanes volverán a levantarse de la tumba?

Travis Beard ha estudiado fotoperiodismo y ha trabajado globalmente como fotoperiodista durante doce años. Posteriormente se ha interesado en el video periodismo. El australiano ha fundado Argus Productions, una empresa de producción que brinda numerosos servicios de medios en Afganistán. Su primer largometraje documental, RocKabul (2017), ha ganado el premio Global Metal de la mano de la revista Metal Hammer.

A pesar de que los directores queer chinos ya han explorado personajes trans y presentado actores trans, The Rib de Zhang Wei es el primer largometraje en investigar la transfobia en la sociedad china contemporánea. La mujer trans Huang Yi se confiesa como homosexual ante su condescendiente compañero de piso y su devoto padre católico, cuya firma necesita para autorizar su cirugía transgénero. Mientras tanto, su desafiante ya operado amigo, Liu Mann, nos recuerda que los mayores desafíos se encuentran en el corazón, no en el cuerpo. Siguiendo su línea de películas apasionadas y de actualidad social, Zhang Wei ha creado una película pro queer que trata sobre el patriarcado, el heterosexismo y la transfobia, siguiendo con la cámara el reconocimiento gradual de un padre por la lucha de su hija y su adopción de un nuevo significado de familia. La película se presentó en el Tallinn Black Nights Film Festival 2018 y ganó el Premio Kim Jiseok del Busan International Film Festival 2018.Siguiendo su línea de películas apasionadas y de actualidad social, Zhang Wei ha creado una película pro queer que trata sobre el patriarcado, el heterosexismo y la transfobia, siguiendo con la cámara el reconocimiento gradual de un padre por la lucha de su hija y su adopción de un nuevo significado de familia. La película se presentó en el Tallinn Black Nights Film Festival 2018 y ganó el Premio Kim Jiseok del Busan International Film Festival 2018.

Zhang Wei ha estudiado dirección en la Beijing Film Academy y estudios cinematográficos en la Chinese National Academy of Arts. Es conocido por su realismo cinematográfico. Sus películas retratan deliberadamente conflictos sociales críticos, y la lucha constante entre los individuos marginados y la sociedad a la que pertenecen de una forma natural y realista. Zhang presenta a la audiencia aspectos de la sociedad china que a menudo se ven invisibilizados por la rápida transformación del país. En su carrera cinematográfica hasta la fecha, ha dirigido siete largometrajes, incluyendo “Beijing Dream” (2010) y “Shadow Puppet Show of One Person” (2011), ambos ampliamente aclamados por la crítica.

Ubicada en una zona rural alejada, una escuela recibe una notificación del Ministerio de Educación, en la que se declara que si no se consigue el número de alumnos requeridos la escuela deberá cerrar. El maestro decide ir a los pueblos de montes y bosques de los alrededores, en persona, para convencer a todos los padres de que es imprescindible para sus hijos recibir formación. Cuando cae enfermo, su prometida aparece para atenderle. Pero, todo se complica y eventualmente uno de los estudiantes se ofrece como voluntario para mantener las clases como si no pasara nada.

Nacido en 1961, Rahbar Ghanbari se licenció en el Islamic Center for Film Studies, ha estado activo como profesor de cine y cineasta desde los años ochenta del siglo pasado. Escritor y director de cincuenta cortos, mediometrajes y doce películas para televisión, Ghanbari es conocido fundamentalmente por sus The Little Bird Freak (2002) y por Growing in the Wind (2012), que han sido aclamadas en varios festivales de cine internacionales. Ha obtenido 26 premios en festivales nacionales e internacionales.

Hace ocho años, una joven de 14 años fue violada en grupo. Traumatizada por el incidente, May se retira completamente de la vida pública. Mientras que May vive su vida sin conexiones, emociones o palabras, su padre, atrapado en sus sentimientos de culpa, lleva una doble vida. Cuando está con May, es una persona bondadosa que lo sacrifica todo para brindar consuelo y protección a su hija. Pero en el ring, es un boxeador que lucha para canalizar su furia. Padre e hija viven así durante 8 años hasta que un extraño, que es un mago, se muda a la casa de al lado y logra abrir una pequeña grieta en la pared protectora que May ha erguido cuidadosamente. La película se presentó en el Göteborg Film Festival 2019 y el Busan International Film Festival 2018.

Ravi L. Bharwani se ha licenciado del Instituto de las Artes de Yakarta (IKJ) en 1990. Después de dirigir varios anuncios, documentales, cortometrajes y telefilmes, ha dirigido la película «The Rainmaker» (2004), que se estrenó en el Busan International Film Festival y ganó el premio a la Mejor Película en los Asia New Talent Awards de Shanghái, China. «Jermal» (2008), su segundo largometraje, fue seleccionado para proyectarse en Busan, Rotterdam, Melbourne, Montreal, Vancouver, Edimburgo, Copenhague y muchos otros festivales internacionales de cine, además de haber recibido varios premios.

Assel sufre una enfermedad incurable, pero para llegar a cumplir su sueño de crear una familia y tener un bebé, está dispuesta a pasar por todas las pruebas y hacer todos los sacrificios necesarios. Incluso cuando cumplir su sueño parece inalcanzable, ella sigue conservando la esperanza hasta el final.

Azizzhan Zairov es director, escritor y productor nacido en Almaty, Kazajstán. Tras licenciarse como guionista por la Universidad T. Zhurgenov, ha trabajado en la Asociación de Padres de Niños Discapacitados (ARDI) como coordinador de talleres creativos. En su película «Girl and the Sea», la segunda parte de la trilogía «Unlimited Opportunities», los estudiantes de ARDI con necesidades especiales realizaron la mayoría de los roles. Licenciado por el Instituto Pedagógico de Aktobe, Mukhamed Mamyrbekov ha trabajado como guionista y director en programas de televisión y películas como «Maturity Day» (2001), «Golden Warrior» (2012) y «Elimai» (2011).

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Yeva es una joven que abandona la casa de sus influyentes suegros con su hija Nareh, tras la trágica muerte de su marido. A continuación, se refugia en una de las aldeas de Karabakh (Armenia). Pero, es vista como una completa extranjera en este lugar y se ve obligada a vivir disfrazada para no llamar la atención. Anahid Abad, dice haber encontrado a sus personajes en una zona tan remota como Karabakh, en la que la inseguridad de la guerra hace que sus habitantes se vean obligados a comportarse con honestidad y transparencia. El personaje principal de esta película, Yeva, se ve obligada a enfrentarse sola a los problemas, amenazas e incluso a sus propias debilidades. Los humanos son humanos en cualquier parte del planeta, pero lo que los hace diferentes son las culturas a las que pertenecen.

07/01/2022
Del 7 de enero al 24 de junio. Cada viernes a las 22.00 h.
Betevé (en la TDT y en el canal 160 de Movistar+)
Casa Asia y Betevé.